Der Nebelläufer

„Nach einem Selbstmordversuch wird Michi von seiner Mutter in ein Internat geschickt. Doch auch dort holt ihn die Frage nach der Wahrheit über seinen Vater wieder ein. Der Schweizer Jörg Helbling versetzt den Zuschauer einfühlsam in die Seelenlage eines pubertierenden Jungen, der sich von allen im Stich gelassen fühlt. Dabei rechnet Helbling zugleich mit der Erwachsenenwelt ab, die sich weitaus mehr vor der Realität fürchtet, als es sich selbst eingestehen möchte. Absolut sehenswert!" (Martin Grasmück)

„In seinem Debutfilm erzählt Jörg Helbling einfühlsam von der Schwierigkeit der Adoleszenz." (Blickpunkt Film)

„Helbling verzichtet auf Polemik und spektakuläre Dramatik; aufmerksam und aufrichtig folgt er seinem Protagonisten auf dessen Seelenreise, beschreibt seine erschreckend schöne Begegnung mit der Sexualität, die Verzweiflung angesichts mangelnder Akzeptanz, die erste Konfrontation mit Drogen." (film-dienst)

„Die einfühlsam erzählte Geschichte eines 15-jährigen, der im Internat erste Erfahrungen mit Liebe, Sexualität und Tod macht." (Mannheimer Morgen)

„... es geht um die Suche eines jungen Menschen nach familiärer und gesellschaftlicher Bindung, die Regisseur Jörg Helbling mit viel Gefühl und Poesie nachvollzieht..." (Berliner Morgenpost)

„Jörg Helblings mit dem Max-Ophüls-Preis ausgezeichneter „Nebelläufer" läßt den Zuschauer die Geschichte des 15-jährigen Michi aus dessen Augen heraus erleben und Helbling findet Bilder, die auch im Kino auf der großen Leinwand bestehen." (Saarbrücker Zeitung)

„...seine Regiearbeit zeichnete sich (...) durch eine so intensive Führung seines erst 15-jährigen Darstellers sowie eine außergewöhnlich durchkomponierte Bildsprache aus, daß er seine Konkurrenten hinter sich ließ. Äußerliche Bewegung wurde bei ihm zum Ausdruck inneren Aufruhrs." (Neues Deutschland)

„Die Geschichte eines haltlosen 15jährigen Jungen, der sich zwischen den harten Bänken und Stühlen eines katholischen Internats an den Schwierigkeiten des Erwachsenwerden stößt, um dann vor den grünen Wiesen seines Heimatdorfs eine neue Beziehung zu seiner Umgebung aufzubauen, besticht durch die Klarheit der Bilder, einen einfühlsamen Inszenierungsstil und einen facettenreichen jungen Hauptdarsteller." (Die Welt)

„Nach einem Selbstmordversuch wird der fünfzehnjährige Michi auf ein Internat geschickt. Doch statt der erhofften Ruhe trifft er auf die erste Liebe und statt auf Offenheit auf eine Mauer des Schweigens und der Heuchelei. Ein bemerkenswertes Portrait eines Jungen, der auf eine Erwachsenenwelt stößt, die auf seine Fragen keine Antworten findet, stattdessen mit Ablehnung reagiert. Helblings Bilder tragen sensible, behutsame Züge, balancieren zwischen Hoffen und Hoffnungslosigkeit. Verstärkt wird die Geschichte durch Lawrence Grimm als Michi, dessen innere Anspannung und Unruhe jederzeit sichtbar wird." (Westfälischer Anzeiger)

„Michi kann nicht mehr; er kappt die Bremskabel seines Velos und rast einen Hang hinab. Er überlebt und wird ins Internat gesteckt - Sicherheitsverwahrung für einen, dem nicht zu helfen ist. Am Ende hat Michi Siege erstritten und ein, zwei leuchtende Glücksmomente erlebt - genug, um ein Leben zu entwickeln. Der Hauptdarsteller Lawrence Grimm, zur Drehzeit selbst gerade fünfzehn, war beim Festival der Liebling des Publikums und erhielt den Preis der Leserjury der Saarbrücker Zeitung." (Stuttgarter Nachrichten)

Kond.: 43,6%, Frachtkosten zu Lasten des Bestellers (ab 400,- Dm Verleihanteil 50% / 50%), Garantie: 250,- DM, 15 % MwSt., Werbem.: Plakate A2, Aushangfotos Farbe, Pressefotos s/w, Trailer, Infoblätter, (20,-DM), Werberatschlag, Start: 31. Juli 1997

Blue Hearts of New York

The Fight
Regie: Nuria Olive-Belles
s/w, 8 Min.
Faust auf Faust im Boxring: Zwei Männer messen sich und ihre Körperkraft - eine unerwartete Herausforderung.

Buttercup
Regie: Daniel Maldonado
Farbe, 17 Min.
Die Geschichte von Seth; ein gepeinigter Künstler, der besessen ist von Dora, dem Aktmodell seines Malkurses. Er macht sie zum Objekt und langsam nimmt er Besitz von ihr, um schließlich ganz sie zu werden. Im Laufe seiner Zerstörung werden wir Zeuge dieses kreativen Prozesses zu seinem letztendlichen Meisterwerk und Akt.

The Painter
Regie: John C. Kelleran
Farbe, 33 Min.
Eine bunte „black comedy"! Für Robert Huvey ist das Leben und Wohnen in New York City mit seiner derzeitigen Freundin nicht das, was er sich so vorgestellt hat. Huvey glaubt von sich, ein großer Schriftsteller zu sein. Unglücklicherweise verdient er sich seinen Lebensunterhalt mit Tapezier- und Malerarbeiten. Ein Anruf von einer ihm unbekannten Frau verändert jedoch sein Leben. Mit einer nichts ahnenden Freundin und einem exzentrischen und neugierigen Nachbarn malt er sich einen Weg ins Leben der unbekannten Frau.

One too many
Regie: George Felner
Farbe, 17 Min.
Zwei Männer rivalisieren um eine Frau, die neu in die Nachbarschaft gezogen ist. Es kommt zum eskalierenden Kampf. Ein Film wie ein Cartoon.

Wash-dry-fold
Regie: Jennifer Provost
s/w, 16 Min.
Ed, ein pfiffiger Optimist aus dem Süden, sucht Gesellschaft. Caroline, eine pessimistische New Yorkerin, sucht die Einsamkeit. Ein nächtliches Zufallstreffen in einem New Yorker Waschsalon löst peinliche Momente aus, bringt ein paar Lacher, ein erlösendes Weinen und eine schöne Tasse heiße Schokolade...

Candy and the fishbowl
Regie: Antonio Siqueira
Farbe, 11 Min.
Ein Mann in der sexuellen Identitätskrise versucht, durch emotionale Regression sein Problem und die damit verbundene Realität zu verstehen und zu akzeptieren. Er glaubt, er sei eine Frau, eingesperrt in einem männlichen Körper. Er fühlt sich gefangen. Der Film vergleicht seine Gefangenschaft mit der eines Fisches im Glas.

Kond.: 43.6 %, Frachtkosten zu Lasten des Bestellers (ab 400,- DM Verleihanteil 50 % / 50 %), Garantie: 250,- DM, 15 % MwSt., Werbem.: Plakate A2, Aushangfotos Farbe, Pressefotos s/w, (20,- DM), Werberatschlag, Start: 17.Juli 1997

Bessame

Spielfilm aus Georgien

Regie: Nino Achwlediani

Darsteller.: G. Charabadse, K. Kawsadse, R. Tabukaschwili, N. Koridse, D. Gabuma, N. Zomaia u.a.; Buch: G. Dotschanaschwili, N. Achwlediani; Kamera: L. Achwlediani; Musik: W. Kachidse; Georgien, 1989, Farbe, 35 mm, 95 Min. OmU

Der Film „Bessame" ist der erste Langspielfilm der Regisseurin, die in Tbilissi geboren wurde und bis 1984 an der Moskauer Filmhochschule WGIK studierte. Während eines kurzen Auslandsstudiums in Spanien entstand die Idee zu dieser georgisch-spanischen Coproduktion. Der Film spielt in der napoleonischen Zeit, als Teile Spaniens von französischen Truppen besetzt waren. Im Zentrum der Handlung steht der junge Hirte Bessame, der zufällig auf einen berühmten Musikprofessor trifft. Dieser nimmt ihn mit in die große Stadt, damit er dort Musik studieren kann. An der Musikhochschule kommt Bessame in Konflikt mit seinem Geschichtsprofessor, der Napoleon als bedeutendsten Menschen der Gegenwart feiert und entsprechende Zustimmung seiner Schüler erwartet. Als sich Bessame diesem ihm aufoktroyierten Geschichtsbewußtsein verweigert, wird er zwangsweise in eine Strafanstalt für Jugendliche überführt, wo er die ganze brutale Gewalt eines diktatorischen Regimes zu spüren bekommt. Es regiert das Gesetz des Stärkeren. Das Regiment führt ein brutaler und korrupter Aufseher, der die jungen Männer mit sadistischen Methoden abrichtet, ihren Willen bricht, und sie nach seiner Lebensmaxime drillt, daß nur der Stärkere, der sich zu wehren versteht, überleben kann. Diese äußeren Bedingungen verändern den Charakter des jungen begabten Musikers, der, um sich selbst zu retten, zum brutalen, gefühllosen Tier wird, das all das zerstört, was er einst verehrte.

Eine eindrucksvolle, parabelhafte Studie über das Thema Macht, Gewalt und Anpassung.

Kond.: 42 %, Frachtkosten zu Lasten des Bestellers (ab 400,- DM Verleihanteil 50 % / 50%), Garantie: 250,- DM, 15 % MwSt. Werbem.: Plakate A3, Aushangfotos s/w, Werberatschlag, Start: 24. Juli 1997

Kritik
Nach "Der Nebelläufer" kommt der nächste Film des Saarbrücker Verleihs MOP (Max Ophüls Distribution) ins Kino: "Bessamè", ein bedrückendes Werk, das einen distanzierten, aber genau beobachteten Blich auf eine entmenschlichte und letztlich darwinistische Gesellschaft wirft. Der Film spielt in Spanien zur napoleonischen Besatzung, bezieht sich aber zeitlos auf alle Systeme der Unterdrückung. Bessamè, ein verwaister Hirte ohne Schulbildung, wird von einem Musikprofessor aufgenommen, der sein großes musikalisches Talent erkannt hat. Doch in der Schule gerät er an einen fanatischen Geschichtslehrer, für den Napoleon das Maß aller Dinge ist. Als Bessamè sich widersetzt, muß er zur "politischen Erneuerung" in eine Besserungsanstalt.

Dort verliert der Film durch den fast völligen Verzicht auf historische Kostüme oder Dekors seinen Zeitbezug und wird zur allgemeingültigen Parabel auf eine menschenunwürdige Gesellschaft. Der sadistische Leiter der Anstalt läßt sich bestechen, zwingt die Jugendlichen zu brutalen Kämpfen. Bessamè versucht, sich dem Terror und dem anzulernenden Haß zu entziehen, doch er hat keine Chance: Nach seiner "Erneuerung" ist er ein abgestumpfter und gebrochener Mann, der nun nicht mehr Querflöte im stillen Kämmerlein spielt, sondern auf Befehl seines dispotischen Fürsten die Pauke schlägt.

Regisseur Nino Achwlediani macht diese Deformation sogar dadurch deutlich, daß Bessamè nach seiner Umerziehung von einem anderen Schauspieler verkörpert wird. Ansonsten schildert sie die Unmenschlichkeit scheinbar teilnahmslos in kühlen, blaugrauen Farben und mit quälender Ruhe - was den Film um so berührender und eindringlicher macht.

Tobias Kessler (Saarbrücker Zeitung)

Marble Ass (Marmorarsch)

Ein Film aus Serbien

Regie: Zelímír Zílník

Darsteller/innen: Vjeran Miladinovic, Nenad Rackovic, Nenad Milenkovic u.a.; Kamera: Miodrag Milosevic; Musik: Dejan Kijevcanin, Love Hunters; Produktion: Radio B 92, Belgrad; Serbien, 1994, Farbe, 35 mm, 87 Min., OmU

Ein heruntergekommenes Haus in den Außenbezirken von Belgrad ist Zuflucht einer merkwürdigen Clique von Kriegsverweigerern. Marilyn, ein Transvestit, arbeitet als Hure und glaubt, so einen persönlichen Beitrag zur Befriedung des Balkans zu leisten. Sanela, ebenfalls Transe, läßt sich von einem Bodybuilder aushalten. Dzoni, ein Kriegsheimkehrer, und sein Kumpel schlagen sich mit krummen Geschäften durch. Die Verlorenheit der Menschen, die Kriegstraumata und alltägliche Schwierigkeiten des Überlebens münden in eine Spirale von Gewalt und Gegengewalt. Ein Film über eine Gesellschaft im Kriegszustand, ein Abgesang auf eine ganze Zivilisation. (Spezialpreis der Teddy-Jury Berlin 1995)

Transvestiten im Krieg, das ist eine Vorstellung, die wenigstens ein Schmunzeln verursacht, entziehen diese Menschen sich doch grundlegend dem Bild von Männlichkeit und Stärke, das man selbst als überzeugter Pazifist mit dem Geschwader an der Front in Verbindung bringt. Um es gleich vorwegzunehmen, an der Front gibt es sicherlich keine Transvestiten, dafür aber zu Hause, zwischen Frauen und Kindern, und da fühlen sie sich sicher auch wohler. Merlin (Vjeran Miladinovic), die Hauptfigur aus Zelimir Zilniks Tuntendrama „Marble Ass", ist ein solcher Transvestit. Im heruntergekommenen Belgrad ist sie eine Trümmerfrau, eine Florence Nightingale im Kampf gegen die Verwüstung der Menschlichkeit, doch Merlins Trümmer und ihr Aufopferungsdrang entscheiden sich grundlegend von denen der anderen. Denn da, wo früher einmal Jugoslawien war, befindet sich jetzt ein Straßenstrich, auf dem Merlin ihren spezifischen Beitrag zum Wiederaufbau des Landes leistet. Die Apokalypse naht, und zwar mit Handtasche und wüstem Hüftschwung. Denn Merlins Trümmer sind keine Bauwerke, sondern die angeknacksten Machoallüren der heimkehrenden Kämpfer, Merlins Motivation ist kein selbstloser Altruismus, sondern die Suche nach Luxus in einer ziemlich glamourlosen Zeit. Für Geld läßt sie die gebrochenen Krieger den Kampf ein weiteres Mal aufnehmen, allerdings im Bett. Einer von ihnen ist Johnny (Nenad Rackovic), der mit Messer und Knarre zurückgekehrt ist und nun die Bombardierung ruckartig auf Merlins Körper fortsetzt. Make love, not war könnte man dazu sagen, doch selbst die ewig gestrigen Hippies müßten angesichts der katapultierenden Bewegungen, mit denen sich Johnny Erleichterung verschafft, den Begriff „Liebe" neu definieren. Zelimir Zilnik thematisiert den Zusammenhang von Gewalt und Krieg einerseits und Sexualität und Prostitution andererseits. (tip)

Konditionen: 43,6 %, Frachtkosten zu Lasten des Bestellers (ab 400,- DM Verleihanteil 50 % / 50 %), Garantie: 250,- DM, 15 % MwSt., Werbematerial: Plakate A3, Aushangfotos Farbe, Pressefotos s/w, (20,- DM), Start: bereits im Einsatz.

TEMPO

v. Stefan Ruzowitzky

"Sehr komisch, darüber hinaus aber auch ein äußerst vitales Stück authentischer Lebenskultur ist "Tempo" des Österreichers Stefan Ruzowitzky (geb. 1961), eine Art "Rave-Film", der für die 90er Jahre das sein könnte, was Jean-Jacques Beineix' Kult-Krimi "Diva" für die frühen 80er war. Tempo ist in der Tat das Programm des Films, der von den rasanten Botenfahrten des knapp 18jährigen Fahrradboten Jojo in Wien erzählt. Jojo will als typischer Vertreter seiner Generation "alles und zwar sofort", liebt den schnellen Beat der Techno-Musik, die ihm nicht zuletzt der Lebensimpuls für seine überbordenden Fantasien ist. Blitzschnell spinnt er sich ausgeflippte Geschichten zu seinen alltäglichen Botenaufträgen zurecht, bis er fatalerweise Fantasie und Wirklichkeit nicht mehr zu trennen vermag und in eine handfeste Crime-Story um Dealer, Drogen und minderjährige Abhängige gerät. "Tempo" fängt facettenreich Stimmungen des Jungseins ein: Geschwindigkeit, Mobilität, ein wenig Anarcho-Freiheit sowie satirische Frechheit werden von der storboskopartig auf- und abblendenden, stets sehr agilen Kamera rhythmisch und präzise eingefangen, wobei am Ende des ausgelassenen, gewiß nicht immer perfekt zündenden Spiels fast schon etwas wie eine Moral aufblitzt: Jojos "coole" Tagträume bzw. Traumtage hinterlassen Blessuren, aber auch manche (Selbst-) Erkenntnis."

JUSTINO – Der Mordbube

v. La Cuadrilla

"Er kann keiner Fliege etwas zuleide tun – aber der Mensch ist ja bekanntlich keine Fliege." Dies verrät uns der Vorspann mit hintersinnigem Humor über Justino, den sympathischen alten Herren und Protagonisten dieses Gemeinschaftswerkes der beiden Regisseure Luis Guridi und Santiago Aguilar, die nach einer alten Gewohnheit für jedes Filmprojekt ihre gemeinsame Atuorenschaft in einen neuen Phantasie-Namen fassen: diesmal tritt das Regie-Duo als "La Cuadrilla" auf. Justino hat sein Brot als "Puntillero" verdient: das ist der Mann der dem vom Torero besiegten Stier in der Arena den tödlichen Dolchhieb versetzt. Jetzt ist er pensioniert. Sein Abschiedsgeschenk ein wunderschöner Dolch. Aber was soll der Witwer nun mit seiner Zeit anfangen? Untätig als Besucher in der Arena herumzusitzen, dazu hat der keine Lust. Er zieht mit seinem Freund Sansoncito, dem Sitzkissenverkäufer aus der Arena, den demnächst auch die Ödnis der Rentnerexistenz erwartet, durch die Bars und beginnt zu trinken. Beide träumen von Benidorm, an dessen Strand Sansoncito seine Asche verstreut wissen will, "damit sich alle schönen Frauen dort auf mich legen können." Der letzte Drink ist natürlich immer der verkehrteste, das weiß auch Justino, der auf dem Heimweg stürzt und ins Krankenhaus kommt. Wieder daheim, reißt der Streit mit seinem Sohn und seiner Schwiegertochter, bei denen er lebt, nicht ab. Die überraschende Wende kommt, als er nach einer erneuten Auseinandersetzung beide ins Jenseits befördert. Das war kein Problem für ihn, denn als Profi wußte er genau, wo er den Dolch anzusetzen hatte. Und nun beginnt eine Art zweiter Frühling für den Alten, ein Emanzipationsprozeß durch Mordausübung, die unter den bizarrsten Umständen stattfindet und in einem grandiosen Showdown von geradezu shakespearscher Blutigkeit endet. "Justino der Mordbube" ist ein in 16 mm Format gedrehter und auf 35 mm aufgeblasener Schwarz-weiß-Film, und das verleiht der Komödie in der Tradition des spanischen schwarzen Humors von Bunuel, Berlanga, Ferreri und Garcia Sanchez noch eine besondere ästhetische Raffinesse. "Justino, der Mordbube" lebt aus dieser Tradition, aber in Athmosphäre, Erzählduktus und Montage schafft er dennoch etwas ganz Eigenständiges. Ausgangspunkt der Geschichte ist eine Stierkampfarena. Justino, der für das Töten der Stiere verantwortlich war, feiert unter den Ovationen des Publikums seinen Abschied. 62 Jahre alt, wurde er frühzeitig in den Ruhestand entlassen. Doch der Triumph ist vergänglicher, als Justino dachte. Mit einem Budget von etwa 500 000 Mark entstand "Justino, der Mordbube" in zweieinhalb Monaten. Aufgebracht haben das Geld die Regisseure und der Produzent selbst. Es ist nach sechs Kurzfilmen der erste Spielfilm der beiden Nachwuchsfilmer und lief bereits auf zahlreichen spanischen Filmfestivals. In Stiges wurde er 1994 mit den Hauptpreisen für die beste Regie und den besten Hauptdarsteller ausgezeichnet.

PIANESE NUNZIO – VIERZEHN IM MAI

(Pianese Nunzio – quattordici anni a maggio)
Regie und Buch: Antonio Capuano
Kamera: Antonio Baldoni
Musik: Tiziano Crotti
Darsteller: Fabrizio Bentivoglio, Emanuele Gargivlo, Manuela Martinelli, Tonino Taiuti, Nando Triola
Italien 1996, Farbe, 115 Min., OmU

Der Jugendliche Pianese Nunzio freundet sich mit dem neuen Priester seines neapolitanischen Viertels an, der sich im Kampf gegen die Camorra engagiert. Die Mafia schlägt zurück und denunziert den Priester bei der Staatsanwaltschaft, eine heimliche Neigung zu minderjährigen Jungs zu haben.

Gegen die Mafia kämpfender Priester wird in eine angebliche Rufmord-Kampagne bezüglich seiner mißbrauchenden Beziehung zu einem 13-Jährigen gezogen, um ihm die Unterstützung der Bevölkerung zu entziehen.

Der junge Priester Lorzenzo Borrelli riskiert im von Arbeitslosigkeit regierten Bezirk Sanità von Neapel sein Leben, als er beginnt, die Bevölkerung gegen die Camorra aufzuwiegeln. Da er damit Erfolge verzeichnen kann, will diese ihn zum Schweigen bringen, ohne einen Märtyrer aus ihm zu machen, wenn es auch anders funktioniert. Da muss die lokale Mafia gar nicht lange suchen, einen Skandal hat sie in der "Beziehung" des Pfarrers zu dem 13-jährigen Nunzio aus dessen Konfirmations-Klasse gefunden. Doch es erweist sich als schwierig, an den Jungen heranzukommen, sowohl von der Mafia, als auch von Seiten der Polizei, und dem Priester ist nicht leicht ein Maulkorb zu verpassen...

Antonio Capuanos Poltidrama spielt in der Altstadt von Neapel, in einem Viertel, in dem einfache Menschen leben. Laute Mütter, aufgedonnerte Huren, mürrische Gestalten und frühreife Straßenjungen prägen die vitale Atmosphäre. Im Herzland der Camorra, der neapolitanischen Form der Mafia, schlägt sich der 13jährige Nunzio mit seiner schönen Stimme durch, in dem er auf Hochzeiten singt. Der Junge, der aus einer kaputten Familie stammt, freundet sich mit dem Priester Lorenzo an, der ihm in der Kirche Orgelunterricht erteilt. Angesichts der grassierenden Kriminalität geht der mutige Geistliche in die Offensive. "In den letzten zwei Jahren sind mehr als 80 Menschen in unserem Viertel ermordet worden", sagt er einem Journalisten. Öffentlich geißelt er das organisierte Verbrechen und ruft seine Gemeinde auf, die Kriminalität nicht länger durch Schweigen und Erdulden zu unterstützen. Gerade seine leutselige Integrität macht ihn für die Camorra besonders gefährlich. Da ein Attentat in diesem Fall nur einen Märtyrer schaffen würde, beschließen die Dunkelmänner, seine Glaubwürdigkeit zu untergraben. Dazu wollen sie Nunzio nutzen und die heimliche Neigung des Priesters zu minderjährigen Jungen. Die sogenannte ehrenwerte Gesellschaft informiert ergebene Polizisten und die Staatsanwaltschaft. Nunzio, der bei Lorenzo erstmals seit langem eine gewaltfreie, aufrichtige Anteilnahme erfährt, weigert sich jedoch auch unter Druck, gegen den Priester auszusagen. Als Lorenzo bemerkt, daß Nunzio deswegen selbst in Gefahr gerät, bricht er sein Schweigen.

In seinem zweiten langen Spielfilm, der auf dem Filmfestival in Venedig 1996 den Pasinetti-Preis für den besten Schauspieler erhielt, geht Antonio Capuano formal gewöhnliche Wege. Einerseits läßt er die Figuren wie in einer Gerichtschronik zuweilen direkt in die Kamera sprechen, andererseits unterliegt er die Szenen aus den Problemzonen seiner Heimatstadt mit einem fiebrigen Soundtrack. Diese krude Mixtur irritiert zwar zunächst, verdeutlicht jedoch gerade mit ihrer markanten Stilisierung das pulsierende Leben in der gewaltigen Metropole. Die soziale und politische Realität Neapels charakterisiert der 1945 geborene Regisseur, der auch das Drehbuch schrieb, mit großer Präzision, erkennbar an der kleinen, aber aussagekräftigen Randbeobachtungen und Gespür für Zwischentöne. Ohne in einen plakativen Anklage – Gestus zu verfallen, führt er uns ein gesellschaftliches Klima vor Augen, in dem der Verlust familiärer Bindungen, der Resignation der Armen, die Allgegenwart der Korruption, die scheinbare Ohnmacht gegenüber der Camorra zu einer schleichenden Entwertung der Werte und zur Auflösung eines funktionierenden Gemeinwesens führen. Mit dem jungen Emanuele Gargiulo und Fabrizio Bentivoglio hat Capuano die schwierigen Hauptrollen exzellent besetzt, tragen die beiden doch das zuweilen geradezu kammerspielartige Drama über weite Strecken fast alleine. Beeindruckend ist, wie sie den schauspielerischen Ballanceakt absolvieren, eine menschlich erfüllende Freundschaft darzustellen, die von einem doppelten Tabu überschattet ist: die Homosexualität des katholischen Priesters und die Minderjährigkeit des Knaben. Lediglich gegen Ende, wenn Capuano die Denunzation Nunzios bei den Staatsanwälten parallel montiert zu einer Kreuzwegprozession Lorenzos im strömenden Regen, schießt er in barockisierendem Pathos übers Ziel hinaus.

Wie Aurelio Grimaldis ebenfalls 1996 entstandener Essayfilm "Nerolio" mit drei fiktiven Episoden des berühmten homosexuellen Schriftstellers Pier Paolo Pasolini, blieb auch Capuanos Film ein regulärer Kinostart in Italien verwehrt. Stieß "Nerolio" wegen seiner schonungslosen Darstellung der menschlichen Unzulänglichkeit des Ausnahmekünstlers in einflußreichen intellektuellen Kreisen auf Ablehnung, so eckte "Pianese Nunzio" wegen der delikaten sexuellen Thematik bei der mächtigen katholischen Kirche an. Vor dem Hintergrund der belgischen Dutroux – Affäre und der dadurch ausgelösten Debatte über Kindesmißbrauch, sowie der Diskussion über Kinderpornographie im Internet verdient Capuanos packendes Drama auch hierzulande Beachtung. Dies um so mehr, als sich "Pianese Nunzio" in der Komplexität seiner Inszenierung vorschnellen Urteilen entzieht und gängigen moralischen Vorverurteilungen sensationsgieriger Massenmedien Widerstand leistet, dafür aber um so beherzter für Toleranz und Barmherzigkeit eintritt.

Der Jugendliche Pianese Nunzio freundet sich mit dem neuen Priester seines neapolitanischen Viertels an, der sich im Kampf gegen die Camorra engagiert. Die Camorra schlägt zurück und denunziert den Priester bei der Staatsanwaltschaft, eine heimliche Neigung zu minderjährigen Jungs zu haben. Gegen die Mafia kämpfender Priester wird in eine angebliche Rufmord – Kampagne bezüglich seiner mißbrauchenden Beziehung zu einem 13jährigen gezogen, um ihm die Unterstützung der Bevölkerung zu entziehen. Der junge Priester Lorenzo Borelli riskiert im von Arbeitslosigkeit regierten Bezirk Sanit von Neapel sein leben, als er beginnt, die Bevölkerung gegen die Camorra aufzuwiegeln. Da er damit Erfolge verzeichnen kann, will diese ihn zum Schweigen bringen, ohne ihn zum Märtyrer aus ihm zu machen, wenn es auch anders funktioniert. Da muß die lokale Mafia gar nicht lange suchen, einen Skandal hat sie in der "Beziehung" des Pfarrers zu dem 13jährigen Nunzio aus dessen Konfirmations – Klasse gefunden. Doch es erweist sich als schwierig, an den Jungen heranzukommen, sowohl von der Mafia, als auch von Seiten der Polizei, und dem Priester ist nicht leicht ein Maulkorb zu verpassen

Die ERLÖSUNG

Schuld und Sühne in Finnland
Olli Saarela drehte nach historischer Vorlage das düstere Drama "Erlösung"

Ergreifend und illusorisch:
Ein finnischer Priester kämpft im grausamen Bürgerkrieg um ein bißchen Anstand

Oh Tano!

Stations of the Elevated

USA 1979; Produktion: streetwise films; Regie, Buch, Kamera und Schnitt: Manfred Kirchheimer Musik: Charles Mingus Länge: 46 Minuten Verleih: MOP


Langsam zieht der Titelschriftzug durchs Bild, wie ein Zug, der anfährt - und gibt den Blick frei auf eine Ansammlung länglicher Dächer aus der Vogelperspektive. Sie wirken wie schlafende Schlangen, abstrakt und grünbeige, sorgsam gegliedert wie ein konstruktivistisches Gemälde. Dann bewegt sich doch etwas. Aber erst, wenn das typische metallische Quietschen ertönt, weiß man, dass man es wirklich mit Zügen zu tun hat. Zaghaft setzt ein Schlagzeug ein, ein Lok pfeift, ein Basslauf kommt dazu, die Musik wird dichter, und endlich sieht man eine der Hochbahnen von der Seite mit bunten Graffitis übersät quer durchs Bild fahren, dann eine Zweite, eine Dritte, alle von rechts nach links, in einem ganz ungewöhnlichen Rhythmus. So beginnt "Stations of the Elevated". Wer sich auf diese ruhige, atmosphärische Dokumentation mit ihren vorbeiziehenden Zugbildern, spärlichen Geräuschen und der schwebenden Musik von Charles Minges einlässt, der ist schon nach wenigen Minuten gefangen von dieser eigentümlichen Welt. Die Franzosen sagen "Cinépoème" zu so einem Film, der ganz von seiner Stimmung lebt, ohne Kommentare auskommt, stellenweise wie ein Experimentalfilm wirkt, wie Malerei in Bewegung oder auch wie bebilderte Musik.

Nostalgische Gefühle kommen auf: Als Manfred Kirchheimer 1979 die Graffiti - Kunst der New Yorker Hochbahnen mit seiner Kamera festhielt, war sie schon im Verschwinden begriffen, weil der New Yorker Bürgermeister den Sprayern den Kampf angesagt hatte und die Bahnen so schnell säubern ließ, dass sie keine Chance mehr hatten. Auch die Jazz-Musik war 1979 ein Anachronismus, denn zur Kultur der schwarzen Sprayer gehörten Rap und Breakdance, nicht die so schöne einlullende Jazzmusik, ohne die der Film eine ganz andere Stimmung hätte. Kirchheimer hat auch bewusst die schönsten Züge gefilmt, mit Graffiti, die wirklich Kunstwerke sind wegen ihrer kantig ineinander verschlungenen Buchstaben, die man oft erst auf den zweiten Blick entziffern kann: "Pusher", "Slave", "Crime", "Hate", "Earth is Hell" ist da zu lesen. Anklagen an eine unmenschlich gewordene Welt. Hoffnungen spendende Worte wie "Heaven is Life" finden sich nur selten, meint doch der mehrdeutige Filmtitel nicht nur "Bahnhöfe der Hochbahn", sondern erinnert auch an die Stationen eines Kreuzweges. Aber eine Jesus - Figur taucht nicht auf, stattdessen fahren Charlie Brown und Mickey Maus auf dem Zug. Die gemalten Comic-Helden finden ihre Pendants in den ebenfalls comic-haften, aber viel bedrohlicher wirkenden Cowboys auf den riesigen Werbetafeln an den Bahnhöfen, auf Werbetafeln und Hauswänden entlang der Strecke.

Irgendwann fahren die Züge schneller, und in der entgegen gesetzten Richtung werden die Malereien aggressiver: Man sieht in die Mündung eines Revolvers, auf weiße Totenköpfe, auf gewaltige stählerne Brückenkonstruktionen, zwischen denen die Züge durchfahren, auf triste Hochhaussiedlungen aus rotem Backstein, vor denen schwarze Kids spielen, auf einen ausrangierten Panzer mitten auf der Wiese. Das sind die Momente, in denen man spürt, dass es Kirchheimer jenseits aller Ästhetik auch darum ging, das Leben im schwarzen Ghetto zu zeigen, das solche Graffitis entstehen ließ.

Mit "Stations of the Elevated" hat der 1931 in Saarbrücken geborene jüdische Dokumentarfilmer, der schon 1936 mit seinen Eltern auf der Flucht vor den Nazis in Amerika landete, seine zweifellos besten Film gedreht. Das kommentarlose Gegenüberstellen der illegalen Graffiti-Kunstwerke mit den gesellschaftlich anerkannten auf den Werbetafeln, die nachdenklich machenden Graffiti-Texte, die langsame Fahrt der Züge aus der überladenen Stadt hinaus in die ländlichen Vororte, die selbst wie Graffiti-Figuren wirkenden, meist nur als Schatten wartenden Menschen auf den Bahnsteigen - all diese meisterhaft fotografierten Szenen wirken heute, 20 Jahre später, da diese Subkultur in die moderne Kunstwelt integriert und verfremdet ist - noch eindringlicher als zu ihrer Entstehungszeit. Dass dieses Zeitzeugnis, das in Deutschland in den 80er Jahren nur auf Festivals zu sehen war, jetzt doch noch in die Kinos kommt, ist ein kleines Wunder, auch wegen seiner Dauer von nur 46 Minuten. Im Beiprogramm gibt es darum noch einen zweiten Film Kirchheimers, den 15-minütigen Kurzfilm "Claw" ("Klaue", 1968), eine ebenfalls wortlose Studie: Ein riesiger Abrissbagger verrichtet sein Werk wie ein böses Monster und bringt im Dienst der Stadtsanierung ein Haus zum Einsturz - fast so lyrisch und anklagend wie der Zugfilm. So kann man spät, aber vielleicht nicht zu spät, nach dem traditionell gemachten Kirchheimer-Dokumentarfilm "We Were So Beloved" (1985) über vor den Nazis geflohene Juden, die sich in den USA ansiedelten, auch einen sehr poetischen Dokumentarfilmer und sein schmales Werk kennen lernen: denn der Dozent der New Yorker School of Visual Art, der seit Mitte der 80er -Jahre regelmäßig beim Saarbrücker Max-Ophüls-Festival die Filme seiner Studenten zeigt, hat seit 1965 nur etwas mehr als eine Hand voll Filme finanzieren und drehen können. (Andrea Dittgen)

Die poetische Dokumentation über die kunstvollen Graffiti auf den New Yorker Hochbahnen im Jahr 1979 zeigt die verschwundenen Formen der illegalen Spontankunst mit tristen Alltagsbotschaften aus dem schwarzen Ghetto, aber auch Parallelen zu den legalen, oft aggressiven Werbetafeln am Wegesrand. Ein meisterhaft fotografiertes stimmungsvolles Zeitzeugnis, das sich jeden Kommentars enthält, aber durch die anachronistische Jazzmusik und den malerisch-musikalischen Rhythmus die Spraykunst auch nostalgisch verklärt. - Sehenswert (Filmdienst 20/00)

Im Beiprogramm: Claw ( Klaue )
Regie, Kamera: Manfred Kirchheimer; schwarz/weiß; 30 Min.
"Claw" zeigt eine Angst einflößende Maschine, wie sie abbruchreife Gebäude zum Einsturz bringt. Die Kamera liefert eine Studie städtischer Zerstörung und Sanierung, gesehen aus dem Blickwinkel der zu sanierenden, älteren Gebäude, die die großen Maschinen, von denen sie am Ende auch selbst zerstört werden, dabei beobachten, wie sie die Stadt verändern. .....eine überzeugende filmische Aussage." ( Landers ) "Bilder makelloser Schönheit.... Der Film ist witzig, optisch fesselnd, bedrohlich und es ist fast unmöglich, nicht von dem sensiblen Blick der Kamera auf Flächen angesprochen zu werden." ( Independend Filmmakers Exposition )

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